CultureLab 2023

Les films que j’ai regardés, 23 au total, ont suscité de vifs débats après chaque séance. Beaucoup d’entre eux m’ont ennuyé, m’ont inspiré, m’ont défié, m’ont déguisé et m’ont fait pleurer. Dans un monde post-covid, je ne peux pas expliquer le sentiment d’être dans une salle pleine de gens qui anticipent calmement le début d’une projection. Le tout dernier film que j’ai vu était une projection 35mm de La vie d’un honnête homme (1953). Voir comment 70 ans plus tard, le film pouvait encore faire rire le public était extrêmement émouvant, et la note parfaite sur laquelle mettre fin à ma séquence de films !

Surtout, ce que j’ai le plus apprécié lors de mon séjour à La Rochelle, c’est la bonne humeur et échanges avec mes « camarades de promo » (comme j’ai fini par les appeler). J’ai eu de merveilleuses discussions avec sept personnes uniques et intelligentes avec des origines culturelles totalement différentes des miennes, et chacune d’entre elles a touché mon âme et ma vie artistique à sa manière. Leur ouverture et leur volonté de partager est un cadeau que je chérirai toujours.

Lors d’une de nos dernières nuits, notre groupe a partagé bon nombre de nos points de vue sur l’expérience que nous avions vécue au cours des 10 jours précédents. Je suis reparti avec deux perspectives très précieuses : premièrement, que c’était vraiment une expérience unique dans une vie. Avec un groupe de huit personnes de tous les coins du monde, c’était une occasion irremplaçable pour nous tous de partager ce moment ensemble qui ne se reproduira plus jamais. Deuxièmement, pour quelques-uns d’entre nous (moi y compris), c’était notre toute première expérience d’un festival du film. Je serai toujours reconnaissant que peu importe le nombre d’autres festivals auxquels je participerai à l’avenir, le 51e festival du film de La Rochelle restera toujours ma toute première expérience. Ce fut une semaine inoubliable qui m’accompagnera tout au long de mon parcours de cinéaste.

Le dispositif visuel du film est profond. Chaque plan cinématographique était approprié à l’aspect de l’histoire dont il souhaitait discuter, tout en gardant l’ambiance générale du documentaire bien consolidée. L’un des moments les plus simples qui l’a démontré est celui où les quatre « sœurs » (dont deux ont été remplacées par des actrices) se prélassent ensemble sur un lit en pyjama. Pendant un moment dans cette histoire dévastatrice, c’était comme si la caméra s’attardait sur une journée ordinaire dans la vie de ces adolescentes. Les deux actrices se fondent parfaitement dans la famille, comme si elles se connaissaient depuis toujours.

Ce qui m’a le plus impressionné, c’est la capacité de Ben Hania à explorer les tabous à la fois visuellement et contextuellement. Dans la culture arabe, où l’on ne parle pas de sentiments, le documentaire donnait l’impression d’assister à une séance de psychothérapie privée. Toutefois, ce qui m’a le plus choqué, c’est le « jeu de la mort ». Il était extrêmement troublant et révélait tellement sur l’état d’esprit des deux sœurs qui étaient sur le point de fuir, mais visuellement, les images et les textures m’ont frappé profondément, car je les associe si fortement aux moments tragiques de ma vie.

La chute des films qui tentent de parler de sujets aussi complexes, qu’ils soient de fiction ou documentaires, c’est qu’il est pratiquement impossible de le faire de manière équilibrée. À travers un point de vue occidental, le film est très problématique à bien des égards car cela renforce certains stéréotypes. Au moment où la religion a été introduite dans le récit, j’ai immédiatement deviné, correctement, où cette histoire allait. Il manquait les nuances nécessaires pour comprendre plus en profondeur les questions sociales et religieuses trouvées dans le film, les nuances impossibles à présenter dans un documentaire de 2 heures mais qui n’en demeure pas moins essentiel. Vers la fin, la violence a commencé à se sentir quelque peu sensationnaliste, ainsi que de nombreuses images des deux sœurs en niqab.

En fin de compte, c’est indéniable que Les Filles d’Olfa est un portrait sensible et profond de l’impact durable que les événements traumatisants peuvent avoir sur ceux qui restent et des circonstances qui conduisent les femmes à choisir le pouvoir patriarcal. Malgré mes nombreux scrupules avec le film en tant que spectatrice arabe, j’ai trouvé que le film montrait bien comment les restrictions misogynes peuvent être transmises de génération en génération, même par et entre les femmes. Plus que cela, c’est une exploration des contradictions au sein de l’identité féminine arabe, en particulier dans les limites de la pauvreté et des difficultés sociales.

En tant que mère célibataire qui travaille, Nawal est acculée au pied du mur et fait parfois des tentatives moins que parfaites mais nécessaires pour sauvegarder ses droits. Elle se heurte à de nombreux obstacles et fait des révélations choquantes. Le mari de Nawal a gardé des secrets ; il a quitté son travail quelques mois avant sa mort et a eu une liaison. Les choses se gâtent au travail pour Nawal. Rifqi se sert subtilement de la fille de Nawal comme d’une arme, car elle refuse de bouger. Au tribunal, le dernier recours de Nawal est de simuler une grossesse pour gagner du temps, et si c’est un garçon, les problèmes de Nawal sont réglés ; cependant, cela lui crée de nouveaux obstacles.

Nous constatons que Nawal fait preuve d’une résilience croissante et d’une détermination inébranlable. Finalement, Nawal monte dans le camion de son mari et le conduit depuis la place de parking. Nawal a maintenant pris le contrôle de sa vie, et même si sa conduite n’est pas parfaite, elle est déterminée à trouver son chemin. En fin de compte, Mouna Hawa m’a fait une forte impression grâce à son incroyable interprétation de Nawal.

Cela conduit Mariam et Youssef à un hôpital où elle se retrouve dans une impasse ; elle ne peut pas être identifiée car son passeport a été laissé dans son sac à main qui a été emporté par les policiers qui l’ont maltraitée. Elle fait une déclaration au poste de police mais se rend compte plus tard que l’ordinateur sur lequel elle était enregistrée a été délibérément laissé débranché. Une prise de conscience révélatrice pour nous comme pour elle quant au peu d’intérêt qu’ils portent à son histoire.

C’est une histoire sur la difficulté pour une victime d’abus sexuels d’obtenir justice. Lorsque les piliers qui ont été construits pour vous protéger vous piétinent, tout ce que vous ressentez est l’impuissance et la défaite.

C’est un film terriblement douloureux à regarder non pas parce qu’il est mauvais – il est en fait brillant – mais parce qu’il vous fait passer une centaine de minutes remplies d’impasses et de fausses victoires sur la route d’une justice entravée par une meute de chiens, comme le dit le titre.

Avec une performance très crédible de l’actrice principale Mariam Al Ferjani, nous découvrons de près les émotions d’une femme qui a subi une agression sexuelle. Le fait que l’intrigue se déroule en une nuit fait également que le film est tombé en boîte sans place pour une respiration profonde. Vous ressentez un sentiment déchirant à regarder quelqu’un peiner à venger ses blessures alors qu’elles sont encore fraîches.

Mariam, à la fin, s’en va sans la justice qu’elle mérite mais en héros malgré tout pour avoir tenu bon contre un système qui intimide. Même si ce qui l’attend est une guerre qu’elle ne devrait pas avoir à combattre, elle semble préparée à cela.

Si vous êtes frustré en regardant ce film, c’est parce que Ben Hania veut que vous vous sentiez comme ça – frustré, prisonnier, intimidé, pas la chance de respirer.

En outre, le film a, non seulement, réussi à capturer les moments de joie et de bonheur, mais aussi, à illustrer les moments moins agréables et parfois tragiques que cette famille a subis. Cela se voit dès le début du film, là où nous avons l’impression que c’est une histoire dramatique avec tous les aspects quotidien d’une vie familiale, en approchant de la fin, nous nous trouvons face à un twist qui va complètement bouleverser tous les événements et circonstances, et, par conséquent,  la vie d’Olfa et de ses filles ne redeviendra plus jamais comme avant.

De plus le film traite de sujets très sensibles surtout dans la société tunisienne et le monde arabe en général où il y a certains stéréotypes concernant les femmes divorcées et les mères célibataires qui pourraient rendre leur situation un peu plus compliquée.

En guise de conclusion, la réalisatrice Kaouther Ben Hania a atteint l’objectif de transmettre l’histoire telle qu’elle est, comme elle le fait toujours dans tous ses films. Elle a un talent incroyable pour franchir la limite entre documentaire et fiction, et en effet, selon moi, c’est le film du siècle.

De manière avant-gardiste, Kaouther Ben Hania s’immerge dans l’histoire de cette mère, et invite des actrices professionnelles à la raconter avec grâce, pour nous la donner à voir. Les filles d’Olfa a été présenté en avant-première au 76e Festival de Cannes en 2023, où il a été sélectionné pour concourir à la Palme d’Or. Le film a également été présenté au Festival international du film de Toronto et au Festival du film de New York. Il a été salué par la critique, qui a fait l’éloge de la réalisation de Ben Hania et des performances des acteurs. À chaque seconde du film, vous pensez avoir une réponse imminente à la fameuse question: « Où sont les filles ?”. Chaque gloussement provoqué par une scène amusante finit toujours par vous ramener subtilement vers cette même question. Ben Hania retient notre regard, et nous conduit vers la réponse par la reconstitution, la passion et les émotions brutes.

Le film raconte avec profondeur l’histoire de la maternité, de l’amour, de la sororité et de la radicalisation. De l’autre côté, le public est accueilli dans l’intimité de cette famille, et apprend à connaître Olfa dans toute sa complexité – ses inquiétudes, ses joies, ses peines et ses plaisirs éphémères. Olfa y est présentée toute entière, sans omettre ses cris, ses insultes et les scènes poignantes de violences physiques envers ses enfants, mais de façon surprenante, le spectateur parvient à s’attacher à ce personnage, qui sert l’image d’une mère tunisienne de son temps.

Bien que le film n’ait pas obtenu de palme au Festival de Cannes, les filles d’Olfa ne démérite pas: il a reçu une très belle ovation au Festival du film de La Rochelle.

Les réunions de groupe, les ateliers et les visites organisées dans le cadre du programme ont été autant d’occasions d’échanger et de s’immerger dans la culture locale. Ces interactions m’ont permis d’affiner mes concepts créatifs et d’élargir ma compréhension de la narration dans des contextes culturels et historiques. La promenade en bateau a été un moment de réflexion sereine, qui a renforcé les liens que j’avais noués avec des personnes partageant les mêmes idées.

En tant que jeune cinéaste ayant récemment terminé mon premier court métrage, ce programme a été crucial pour mon développement professionnel. Entendre les témoignages de l’amour des professionnels pour le cinéma a réaffirmé mon attachement à ce métier. Il a mis en évidence le pouvoir du cinéma pour évoquer des émotions et transcender les frontières, réaffirmant ma croyance en l’impact du cinéma en tant que moyen de changement et de connexion.

Par-dessus tout, la rencontre de tant de nouvelles personnes d’horizons divers a été vraiment spéciale. L’interaction avec les autres participants et les professionnels du secteur a favorisé un sentiment de camaraderie et d’inspiration. Chaque personne a apporté un point de vue unique et sa passion pour le cinéma était contagieuse. Les liens tissés pendant le programme sont inestimables et créent un réseau de soutien et d’encouragement pour la suite de mon parcours de cinéaste.

Pour conclure, le programme CultureLab 2023 a renforcé mon engagement pour le cinéma, mon envie de raconter des histoires, et m’a donné un nouveau sens de l’objectif et de l’orientation dans mes activités créatives. Je suis reconnaissant pour les amitiés nouées, les connaissances acquises et l’inspiration reçue, autant d’éléments qui façonneront sans aucun doute mes futurs projets en tant que cinéaste.

Le ciel nuageux ne volait la vedette au soleil que pendant quelques jours cependant, car rapidement, il céda la place à un ciel scintillant, accompagné d’une douce brise rafraîchissante. On pourrait presque pardonner à un festivalier de manquer sa projection s’il s’attardait sur les terrasses du quai avec une glace à la main.

Ce qui a véritablement primé lors de la semaine du festival de La Rochelle du Cinéma n’était ni sa météo, ni les marchands de glace adjacents (bien que…), mais plutôt sa programmation et son dispositif convivial qui nous rappellent que le film est une expérience transcendantale lorsqu’il est consommé dans une salle de cinéma dédiée, et non à la maison, lorsque l’on a un œil sur les restes réchauffés dans le micro-ondes et l’autre sur le film interrompu la veille.

C’est en salle qu’un public composé d’inconnus retient son souffle à l’unisson face aux tragédies provocatrices de Lars Von Trier, rit à en perdre le souffle devant le merveilleux ridicule de Sacha Guitry, ou contemple la photographie époustouflante de Nuri Bilge Ceylan.

Ce n’est pas seulement une rééducation à l’image que le festival propose, mais aussi un réapprentissage du temps lui-même. Tel est le cas du film « Le Gang des Bois du Temple », le septième film de Rabah Ameur-Zaimeche.

« Le Gang des Bois du Temple » est de manière trompeuse simple en apparence : une équipe de braqueurs en région parisienne attaque le convoi d’un prince arabe richissime. Les braqueurs deviennent riches à leur tour et peuvent se retirer dans la vie que le grand banditisme a interrompue : se marier, voir leurs enfants grandir, acheter une prothèse pour un bras amputé, et surtout, prendre soin de Monsieur Puce, voisin et ancien tireur d’élite de l’armée de terre qui vient de perdre sa vieille mère.

C’est dans ce que l’on ressent, et non dans ce que l’on voit, que le film s’élève. Plus précisément, c’est à travers sa temporalité que l’expérience devient transcendantale, et c’est par là qu’Ameur-Zaimeche excelle.

Dès la première image, nous sommes plongés dans un cinéma contemplative. La caméra explore patiemment l’environnement pour nous introduire à une cité parisienne, puis suit les oscillations d’un encensoir d’église, et enfin capture l’intégralité d’une chanson d’adieu lors d’obsèques.

Même lorsque le film accélère inévitablement son rythme, des moments symboliques font office de ponctuation. Les braqueurs parlent de liberté en donnant de la nourriture aux pigeons de la cité, un braqueur incarcéré accélère le pas de sa ronde comme s’il souhaitait accélérer le temps pour rentrer chez lui, et le Prince danse jubilatoirement dans une boîte de nuit après avoir finalement tué les braqueurs.

En ponctuant ainsi un film de braquage avec des moments introspectifs, l’auteur utilise le film de genre contre lui-même pour proposer une lecture du temps qui diffère de celle généralement utilisée pour ce registre. Dans un monde où la temporalité de l’image est exponentiellement accélérée, l’expérience proposée par « Le Gang Des Bois Du Temple » est une véritable rééducation à l’image.

Lorsque les lumières de la salle se rallument et que les chaises se redressent, nous sommes alors confrontés à un fait angoissant : le public de ce cinéma est âgé, très âgé.

Ce qui angoisse n’est pas tant le manque de jeunes, qui sont parfois présents en petit bataillon, mais le manque de générations intermédiaires. C’est le manque d’adultes dans leur trentaine quarantaine qui fait réellement défaut dans les salles, car ce sont eux les réels passeurs de la torche.

Les spectateurs âgés et le fait que le cinéma d’art et d’essai soit aujourd’hui sous perfusion de fonds publics indiquent que ce n’est pas seulement la fin d’un type de cinéma que nous risquons, mais la fin d’un type de société même.

Néanmoins, aussi sombres que puissent paraître les nuages à l’horizon, et aussi féroce que la tempête puisse promettre d’être, les remparts du Festival de Cinéma de La Rochelle demeurent hauts et solides, et font de l’événement un véritable refuge jusqu’à ce que passation soit faite. le cinéma continue d’être célébré, et où le soleil continue de se lever inlassablement.